Compositores

Paco de Lucía, un revolucionario de la guitarra

Paco de Lucía había preferido ser cantaor pero era tímido y en la guitarra encuentra su escudo, su compañera y su enemiga. Le gusta trabajar en la soledad de la noche. El guitarrista de Algeciras ama la vida sencilla, la ropa informal y se declara enamorado de la gente que sabe ser feliz, considera arte a las personas que tienen sentido del humor y gracia. Siempre estuvo vinculado a su tierra necesitaba mantener sus raíces intactas y no perder fuerza a la hora de empeltar con otras.

Paco de Lucía y Camarón representan el flamenco al más alto nivel

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Paco de Lucía y Camarón crean la magia del flamenco. De Lucía siempre quiso ser cantaor pero por timidez se esconde detrás de una guitarra. La primera vez que escucha a Camarón pensó que era el mesías del flamenco, le admira, era su héroe. Su relación se basaba en la adoración hasta el punto de tenerse timidez. Los dos buscaban ocasiones para juntarse en el escenario porque era placer lo que sentían al escucharse, si observamos a Paco de Lucía en los momentos que solo se oía la voz de Camarón lo miraba disfrutando del momento. Lo mismo ocurría cuando el cantaor fijaba la mirada en las manos de Paco mientras espera su nota para entrar a cantar, se deleita con los acordes. Representaban el flamenco al más alto nivel.

Algeciras es la base de su ser

Para entender a Paco de Lucía hay que conocer cómo es Algeciras, el pueblo andaluz donde el artista crece con el cariño de la familia, una madre buenísima, un padre aficionado a las bulerias y vendedor de telas en el mercado. Allí están sus amigos y gente maravillosa de quien aprende a vivir siendo feliz, - Me reía mucho, me daban seguridad, calor y mucho amor. Emocionalmente, siempre se sintió en Algeciras porque es allí dónde cultiva las raíces en las que se sustenta su vida como hombre y como artista.

“Sin mi padre yo no sería guitarrista”, Paco de Lucía

Su padre fue el promotor de que Paco y sus hermanos fueran artistas del flamenco. Desde niños escucharon los acordes y los cantes por bulerias. Antes de haber cogido una guitarra ya conocía el lenguaje del flamenco. Un día tendría unos ocho años cuando su padre intentaba explicarle a su hermano mayor, Paco, como se tocaba un acorde y no le salía, probaba una vez y otra y no le salía, hasta que Paco le gritó:"- Pero, si es muy fácil !!." Su padre le dijo: "-Ale, pues ven tú, y pruebas, listo!" Cogió la guitarra por primera vez en su vida y a la primera le salió perfecto.

Al cumplir 11 años su padre le saca de la escuela porque no podía pagar los ocho duros que valía, le dijo que se quedara en casa y que se dedicara a destacar con la guitarra. A partir de ese momento se encierra y se pone a tocar horas y horas, sin descanso.

Los chiquitos de Algeciras

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Con la familia de Lucía forma un grupo, Los chiquitos de Algeciras, y emigran a Madrid a buscarse la vida por los escenarios. En los ‘60 Madrid ya era la capital del flamenco, el público era exigente. A los 13 años Paco de Lucía, entra a formar parte del ballet del Greco y se fué de gira por EEUU. Su sueño de poder ayudar en la casa se cumplia.

Entre dos aguas, su primer LP

Entre dos aguas, es su primer disco y hoy es la rumba más internacional hecha para solo de guitarra, supuso una inflexión en la carrera de Paco de Lucía. Le lleva a alcanzar la popularidad de masas, se escucha en todos los medios, anuncios, discotecas, y su vida se transforma. Carlos Relato, músico y amigo del artista fue quien le animó a incluir unos bongos en un tema del disco, esa canción rompe moldes y le hace muy famoso. Pasa a ser adorado por los entendidos guitarristas, que ya le admiraban y a gustar al que no sabe nada de guitarras. Se convierte en un fenómeno de masas.

Amplía el lenguaje del flamenco

Sin romper el molde del flamenco que se basa en la cadencia andaluza de los 4 acordes La, Sol, Fa y Mi, Paco de Lucía amplía su lenguaje y crea un nuevo alfabeto para la música flamenca. No todo fueron alabanzas, en el Teatro de la Zarzuela en Madrid el guitarrista da su primer concierto con las piernas cruzadas y le criticaron, duramente, alegando que era una falta de respeto al flamenco y al público. La guitarra en vertical era un símbolo del flamenco clásico cuando tenía solo cuatro acordes. Pero, las formas estaban cambiando el nuevo estilo exigía más deslizamientos por las cuerdas consistía en la forma más cómoda de alcanzar el sonido de un nuevo flamenco que en ese momento nadie sabía, ni él mismo guitarrista, como sería en un futuro.

Paco de Lucía, internacionaliza el flamenco lo eleva a la categoría de la música clásica, tocando por el mundo entero en salas, teatros y recintos donde hasta la fecha ningún flamenco había entrado en cartel. Cuando en todo el planeta se reconocen los acordes de las bulerías y rumbas del flamenco, en España el 1975 el guitarrista es invitado a tocar en el Teatro Real, este evento tuvo sus detractores pues muchos creían que este tipo de música no estaba a la altura ni tenía la clase suficiente para representarse en tal escenario. El periódico, El País, titula la crónica del concierto como “La toma de la Bastilla”. A partir de entonces España reconoce el flamenco en todos los ámbitos y se populariza en barrios ricos y pobres dándole el lugar que tiene hoy.

Nuevos estilos para seguir sorprendiendo

Con el sexteto que forma con sus hermanos Ramón (guitarra), Pepe (cante) y amigos Jorge Pardo (vientos), Pedro Ruy (batería), Rubem Dantas (batería), Toni Aguilar (bajo), Álvaro Yébenes (bajo) permanecen en los escenarios 25 años. Dice Paco que nunca planifica quien serian sus componentes, simplemente, conoce algún músico le cae bien y lo incorporaba al grupo. Durante toda su carrera continúa innovando en cada concierto, siempre abierto a crear y mezclar sonidos para sorprenderse y poder sorprender al público. Esta es la chispa que llevaba a seguir en la música, hacer cosas nuevas.

Cuando conoce a Chick Corea descubre el jazz y abre la mente a la armonía. Paco de Lucía, reconoce que al principio lo pasó mal porque no llegaba y se agobiada, al poco tiempo y mucho estudio aprendió a improvisar, le enseñaron a hacer escalas con 3 acordes y cuando dominó el jazz dice que sintió tal excitación que descubrió que podía con todo.

Y con esa excitación creó su versión del concierto de Aranjuez que se convirtió en otro de sus grandes éxitos. El guitarrista creía que había otra manera de expresar la obra del maestro Rodrigo desde el flamenco, para prepararlo estuvo un mes encerrado 12 horas al dia, se aprende el concierto sin saber música, en el debut estaba muy tenso sentía que no podía fallar le daba terror equivocarse en una nota y que todo se fuera al garate por su culpa. Sufrió pero el increible aplauso final le devuelve la confianza.

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La guitarra fué su mayor enemiga

A Paco le gustaba reivindicar a Francisco Sánchez porque le da paz, le gustaba distanciarse de los escenarios, vestir cómodamente, dejarse los pelos largos, bucear y cultivar plantas. Le gustaba la vida tranquila, y cuando se tumbaba en su hamaca del patio de Yucatán, Méjico,se da cuenta que ya toca por obligación y no por devoción entonces la música se vuelve angustia. Cuando el objetivo era dejar de pasar hambre lo consiguió fácil porque “la barrriga se llena rápido”, pero cuando su reto pasó a ser convertirse en el mejor guitarrista del mundo la cosa se complica, horas y horas encerrado componiendo y practicando. Pero ya cuando llega al nivel de ser el mejor y querer superarse a él mismo su nivel de autoexigencia llega a torturarle en ocasiones reconoce que siente infelicidad que le da muchas vueltas a las cosas y se obsesiona en cada fallo, el guitarrista algecireño se reconoce pesimista y en ocasiones no es capaz de disfrutar de todo lo que la vida le da.

A principios de los ‘90 vivió una época de apatía por la profesión, cuando su mundo se desmorona dice que encuentra cobijo en la obra de Manuel de Falla y de esa relación nace su disco dedicado al compositor. Consigue devolver la música de Falla a sus raíces, explora nuevas melodías, crea armonías a las que añade su sonido de cuerda. Sigue ampliando el alfabeto de los guitarristas flamencos en cada obra que crea el lenguaje flamenco se hace más rico.

Detrás de Paco de Lucía hay mucho trabajo ininterrumpido desde los 11 años, padecimiento, exigencia, profesionalidad y también una dicha inmensa. Creó obras maestras todas únicas y diferentes entre ellas. Amplía el lenguaje flamenco. Colabora con una larga lista de artistas de todos los estilos musicales. Lleva la guitarra flamenca con éxito por todo el mundo. Por todo eso, Paco de Lucía, es hoy un maestro para los guitarristas imposible de reemplazar.

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Los 10 grandes compositores de música clásica

10 grandes compositores en la historia de la música.

La historia nos ha brindado tal cantidad de grandes compositores de música clásica que resulta casi imposible para un aficionado estudiarlos a todos, y muchísimo menos evaluarlos y compararlos con sus semejantes. Por ello, aquí os traigo solo algunos, quizás los más reconocidos, compositores de música. Cierto es que tan solo hablaremos sobre algunos grandes compositores ya desaparecidos. En las épocas modernas aún conservamos a genios como Elton John o el viejo Paul Mccartney, pero eso, ya es tema de otro artículo.

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Wagner para no iniciados

Es bastante habitual al hablar del compositor Richard Wagner, incluyendo en esto a profesionales de la música, que muchos lo sigan considerando como un ente fragoso, pesado y difícil de escuchar. Seguro que ya nos hemos dado cuenta a lo largo de los años que incluso la frase pronunciada por el cineasta Woody Allen “I can't listen to that much Wagner, you know? I start to get the urge to conquer Poland” en Manhattan Murder Mystery, ha sido tan repetida por personas que ni siquiera habían visto la célebre película, que creo ha minado a muchos la mente de prejuicios por este gran compositor sin ni siquiera haberse parado a ponerse un fragmento en sus auriculares.

Richard Wagner para no iniciados

¿Cómo entonces hacerse un hueco en el corazón de la música decimonónica alemana? Desde mi punto de vista, dejándose llevar.

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Comparación en Sinfonía de Brahms

Dos de las mejores grabaciones de la Sinfonía de Brahms son H. von Karajan con la Filarmónica de Berlín y Leonard Bernstein con la Orquesta Filarmónica de Viena. Ambos interpretan todos los elementos que Brahms quiso mostrar: majestuosas con el inicio del primer movimiento, la tragedia con la tercera y la energía y el entusiasmo con el último movimiento. Sin embargo, aún se consideran dos de las grandes grabaciones de esta sinfonía, no hay muchos puntos en común entre ellos.

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Para empezar, probablemente la principal disparidad entre ambas actuaciones es la duración del tiempo utilizado para la conclusión de la sinfonía de Brahms. Mientras H. von Karajan emplea treinta y dos minutos para terminarlo, Leonard Bernstein utiliza tempos más lentos en todos los movimientos y la completa diez minutos más tarde. En segundo lugar, el conductor austríaco no es muy flexible con los tempos entre los movimientos; se quiere decir que usted puede sentir que el valor del tiempo es casi el mismo para todos ellos: Allegro non brio, Andante, Poco allegretto y Allegro, 1º, 2º, 3º y 4º movimiento respectivamente. Por otro lado, Bernstein hace una distinción más clara entre estos ritmos; podemos apreciar la diferencia entre Allegro non brio y Poco allegretto. Por último, podemos saber que el director estadounidense utiliza el tempo rubato para ser más expresivo, sin embargo, pierde el impulso de activación. El ejemplo más claro es el comienzo del tercer movimiento: el tema es interpretado por los violonchelos. Utilizan un tempo más rápido cuando juegan una nota larga en la barra de uno, tres y cinco años, sin embargo, emplean un tempo pequeño muy lento cuando tocan notas cortas- segundo, cuarto y el último compás de la quinta barra. A diferencia de la Filarmónica de Berlín toca todo el Allegretto poco sin ninguna alteración del pulso.

Asistir a la balanza de sonido de la orquesta, Karajan logra un gran equilibrio de sonido en el que participan los diferentes instrumentos de la orquesta; es rico y compacto. Podemos apreciar en la apertura del primer movimiento. Los dos primeros acordes son sólidos y miy claros: el viento de madera, cuerno y trompeta tocan juntos y en armonía. En segundo lugar se hace un excelente fraseo en toda la pieza alogrando un gran carácter. Por ejemplo, los violines tocan el primerea tema en la tercera barra; dan un buen carácter, apasionado, ayudado por uno sforzatto en el primer tiempo del compás. Finalmente, se hace un muy buen contraste de la dinámica y es muy obvia la articulación, incluso cuando la dinámica es pianissimo. En este caso, se puede escuchar la diferencia entre el fuerte y el pianissimo en las barras 30-31 y 32 en Allegro. Por otra parte en las barras de la 13-15 cuando la sección de viento piano toca podemos prestar atención a los acentos en el clarinete. En el balance de contraste de Bernstein no es tan bueno como el rendimiento de Karajan. Podemos encontrar el mejor ejempolo de ello en el último movimiento también. El tema comienza a sonar durante la tercera barra, sin embargo, no está tan despejado y limpio porque podemos oír muy fuerte el acompañamiento de la viola y del cello a la vez. Esto no es un buen sentido del equilibrio entre la sección de cuerda.

En conclusión, Leonard Bernstein es más versátil utilizando tempos; Sin embargo Karajan logra un mejor equilibrio con la orquesta. 

Probablemente la mejor grabación de la Sinfonía de Brahms sería la combinación de ambos.

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Verdi y el amor, una Giuseppina para un Giuseppe

Aunque Verdi pasaría la mayor parte de su vida con Giuseppina, no se trata de su primera historia de amor, la relación entre Verdi y el amor comenzaría con su primera esposa, Margherita Barezzi, hija del amigo y protector de Verdi, Antonio Barezzi. En 1836 Margherita y Verdi contrajeron matrimonio y se fueron de luna de miel a Milán.amor-verdi

Margherita era una mujer muy guapa e inteligente, su pelo era rubio, y lo llevaba recogido en un gran moño a cada lado de la cabeza, acorde a la moda del S.XIX , su mirada era algo pícara y con un brillo especial. A la vuelta del viaje de novios, el matrimonio se instaló en un piso del palazzo Tedaldi, que el padre de la muchacha puso a disposición de la feliz pareja. El 26 de Marzo de 1837 nació la primera hija de los Verdi y el 11 de junio de 1838 tendrían a su segundo hijo; tan sólo dos meses después, moríria su primera hija, Virginia Maria Luigia, un 12 de agosto. A finales de Octubre del año próximo, su hijo varón, Icilio Romano moriría también. El matrimonio quedaría sin hijos, tal y como comenzó. No acabarían los mazazos para Verdi, que también tuvo que ver morir a Margherita tan sólo dos años más tarde, un 18 de Junio de junio de 1840.

La pérdida de Margherita dejaría a Verdi desolado y en una gran depresión que no finalizaría hasta el estreno de Nabucco, 3 años después de su viudez, comenzaría una relación con Giuseppina Strepponi, una cantante de ópera muy famosa que participó en Oberto y en Nabucco, antigua amante de Mirelli, el empresario de La Scala que facilitaba los estrenos de Verdi. Giuseppina ya se había retirado de los escenarios, había dejado a Mirelli y ahora residía en París, y Verdi... digamos que se dejo llevar totalmente enamorado.

Al principio, podemos decir que la relación era casi secreta, la pareja no se dejaba ver en público y disimularon bastante su relación amorosa.  Tras la sublevación de Milán contra los austríacos invasores, Verdi volvió a su pueblo, Busseto, y compró una finca en la aldea de Sant' Agata, aunque Verdi no tardaría en volver a París, esta vez para vivir con la Strepponi de una forma ya pública y bastante notoria, eso sí... sin pasar por la bicaria ¡en plenoS.XIX!

En 1849 una epidemia de cólera asoló París, y Giuseppe y Giuseppina se fueron a vivir a Sant' Agata, allí vivirían una vida solitaria, alejados de la gente del pueblo, que todo hay que decirlo, no es que estuvieran muy de acuerdo con la relación, estamos de acuerdo en que Verdi no era muy sociable y que se ganó alguna de las habladurías de los pueblerinos, pero tampoco tenían derecho a atacar a la "adultera" y "pecaminosa" mujer que era su pareja, así que las únicas visitas que recibían eran las de los Barezzi.

Por si no tenía bastante con el pueblo, Giuseppina tenía también que aguantar las críticas de los padres de Verdi, que aprovechaban cualquier ocasión de desavenencia con su hijo para echar la culpa a aquella lasciva mujer. Si es cierto que Giuseppina no era precisamente la mujer pura y casta que cualquier madre del S.XIX hubiese imaginado para su hijo, antes de conocer a Verdi mantuvo varias relaciones, tuvo un hijo (o dos) de cada padre a los que daba en adopción, y no era nada cuidadosa con su reputación, ya que obligada por la economía familiar, acudía a escena con una más que notoria barriga. Pero con Verdi era distinto, se había entregado en cuerpo y alma, el pasado de aquella mujer, había quedado tan sólo en eso, en pasado, y la pareja se tenía amor de sobra para continuar hasta el resto de sus días juntos. Giuseppina no tenía nada que ver con el desdén que su hijo les ofrecía, se lo habían ganado ellos, ya que querían interceder y ordenar la vida de un hombre de casi 40 años, que además... era su sustento económico y social... Giuseppina, por su parte, trataba siempre de convencer a Verdi para que mantuviese una buena relación con sus projenitores, invitándoles a cenar en las festividades importantes, pero finalmente, tanta bofetada, hizo que Giuseppina no intercediera más en beneficio de la relación familiar. Verdi era antisocial, sí, y a ella no le quedó más remedio que compartir su soledad.

Verdi y el amor, una mujer plenamente hipnotizada.

A pesar de tanto reproche público en Busseto, la pareja estaba plenamente enamorada, Giuseppina no podia estar sin su Giuseppe, y así lo podemos apreciar en una carta que escribió al compositor cuando este se hayaba de viaje para uno de sus estrenos:

Mio caro Verdi, te confesaré mi debilidad. EStoy soportando peor esta separación que las otras. Sin ti soy un cuerpo sin alma, y tú lo sabes, diferente de otros que necesitan frecuentes separaciones para estimular su amor. Podria acompañarte año tras año sin hastiarme ni saciarme. Por el contrario, cuando hemos estado unidos mucho tiempo, siento entonces más la separacion, aunque ahora me induces a pensar que será breve.

Giuseppina Strepponi.

El 29 de agosto de 1859, la pareja se trasladó en secreto a la localidad de Collonges-sous-Salève, donde se casaron. ¿Por qué? Cabe destacar que llevaban muchos años viviendo juntos sin pasar por la bicaria, y que Verdi no era precisamente católico practicante, hay varias hipótesis sobre este hecho según los historiadores: la primera apunta a que se casaron para así optar a la adopción de la hija de uno de sus primos, la segunda a que Verdi temía morir y dejarla sola y en dudosa situación, y por último, otros encuentran un fin político, al presentarse Verdi a un cargo público. Sea como fuere, la feliz pareja, contrajo matrimonio. Este matrimonio, y la postura política de Verdi, hicieron que las asperezas con el Busseto se calmasen.

Hacía 1866 el matrimonio sufre una crisis, el carácter de Verdi se había endurecido aún más si cabe, se podría decir que se había convertido en un viejo cascarrabías. Además, corrían rumores acerca de un posible escarceo del compositor con la cantante Teresa Stolz. Giuseppina, hecha ya toda una señora, supo llevar la situación con mucha mano izquierda e inteligencia por su parte, y el hecho no pasó a mayores. Giuseppina y Giuseppe vivirían felices hasta que la muerte los separara, un 14 de noviembre de 1897, Giuseppina murió en los brazos de su amado, el que no pudo más que darle un beso y salir de la habitación, la historia de Verdi y el amor finalizó aquel día.

Ahora, addio, mio Verdi. Como estuvimos unidos en la vida, quiera Dios reunir nuestros espíritus en el cielo.

Giuseppina Strepponi.

Espero que os haya gustado la historia de Verdi y el amor, no olvidéis comentar wink.

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Nabucco, la historia de mano de su creador, Verdi.

nabucco

Nabucco la "resurección" de Verdi, tras la pérdida de su mujer Maghdelene, el compositor cae en una tremenda depresión y abandona la composición. Pero algo sucedería unos meses más tarde, sucedería Nabucco, os contamos su historia, bueno, mejor dicho, la cuenta Verdi, me he permitido transcribir esta interesante historia de Nabucco de su puño y letra. (Pinchando en la imagen podrás escucharla)

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